Princesa Alba estrena "Convéncete", un viaje de reggaetón fantasioso

La música urbana es el campo más poblado del pop mundial. El año pasado J Balvin, Ozuna y Bad Bunny estuvieron entre los 10 artistas más escuchados de Spotify. "Despacito" es el video más visto en la historia de YouTube. La música latina es más popular en Estados Unidos que el EDM y el country: ocupó una participación del 9,4% del mercado superando al country que ocupa un 8.7% del mercado y también al EDM, que ocupa un 3.9%. J Balvin y Bad Bunny fueron headliners de Coachella representando al reggaetón por primera vez en la historia del festival. Son tiempos de romper récords para la música hecha en español.

Ha corrido mucha agua debajo del puente desde que Daddy Yankee estrenó "Gasolina" y comenzó el auge del género. En el 2019 la música urbana es música pop en todo el planeta sin importar la barrera del idioma. Pero me gusta pensar que la esencia de cada género siempre ha estado en el under. Daddy Yankee o Ivy Queen alguna vez fueron artistas underground. Bad Bunny antes era un chamaco haciendo música con solo una computadora. Por suerte siguen sucediendo movimientos y actos relevantes en el lado de la música independiente. Chile es uno de los lugares con representación contundente con propuestas como Paloma Mami, Gianluca, Polimá Westcoast, Cease, Young Cister y Trinidad Riveros a.k.a Princesa Alba. Hoy, Princesa Alba está estrenando video para "Convéncete", su último sencillo. El video se grabó en la bodega Fundo El Mariscal de San Bernardo, fue dirigido por Marialy Rivas, directora y guionista ganadora del premio «al mejor guion de drama» en Sundance 2012 por la película Joven y alocada.

Las mujeres en la música urbana están en un momento importante. Antes fue Ivy Queen quién comenzó todo; hoy tiene varias herederas: Karol G tiene cinco sencillos top 10 en los charts de Billboard, Becky G logró 1,588,573,036 millones de views para “Mayores”, Natti Natasha (junto a Becky G) rompió Youtube con “Sin pijama” y sus 1,429,769,003 millones de views, y Anitta tiene 3,845,571,068 views en todos sus videos de Youtube, por nombrar algunas que se mueven en ámbitos más populares. MS Nina, Paloma Mami, Chocolate Remix y Princesa Alba en escalones distintos a la música popular y masiva; también están rompiendo estereotipos y adentrándose en un género históricamente dominado por hombres. "Está muy bueno que el reggaetón sea liderado por mujeres también ahora. Llevamos muchos años donde los hombres siempre llevaban la batuta de esto. Es bueno tener esta perspectiva femenina en la música urbana"; me comenta Princesa Alba vía WhatsApp sobre el dominio histórico de los hombres en el género.

También reconoce el empoderamiento lírico y también sonoro al que han llegado algunas mujeres: "Estas dinámicas clásicas del reggaetón, normalmente de conquista o sexuales las estamos empezando a ver desde el punto de vista de las mujeres, y es muy entretenido. Karol G hablando de cómo suena su cama. Eso al principio fue bastante impactante, pero ahora es bueno que se vayan rompiendo estas ideas desde el lado de una mujer", me dice la Princesa.

Princesa Alba ganó reconocimiento en RRSS con el éxito de su sencillo “Mi Only One” y “Summer Love” ft Gianluca. En el 2018 lanzó “Del cielo mixtape”, con producciones de Gianluca, REHM, OSSA, Mlshbts y un featuring con Lean Chihiro.

“Convéncete”, su nuevo video; es un baile de solo mujeres y fantasías tras fantasías. Una época difícil de identificar. Reggaetón fantasioso. "El clip es una ficción que transita por muchos espacios muy bucólicos. Tratamos de lograr que no existiera un tiempo en particular en la que pudieses ubicar el video. Muchas épocas que conviven juntas en una sola. Un video fantasioso", me cuenta Princesa Alba en otro voicenote de WhatsApp

Princesa Alba se sabe parte del movimiento independiente de Latinoamérica. No trabaja (aún) con majors, se basa más en la autogestión. Reconoce que está compitiendo contra artistas más grandes con herramientas como el streaming y el RRSS, que antes no tenía: "La música independiente es lo más auténtico siempre. Es súper difícil hacerle competencia a las majors gigantes económica y mediáticamente. La presencia que tienen en la industria mundial piensas que es imposible alcanzar, pero ahora, con el streaming, esto se ha nivelado un poco. Unos sube sus canciones a Spotify, CD Baby y todo está más democratizado", opina la Princesa.

"Estamos en una época en que la música independiente puede volver a ser rentable o factible. Siempre propondrá cosas distintas a la música que sale de los major labels y es increíble poder conservar esa esencia, me dice Princesa Alba en el último voicenote de la conversación por WhatsApp.

Acá puedes ver el nuevo video de Princesa Alba, "Convéncete":

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Diego Urdaneta https://ift.tt/eA8V8J

Cómo sería ahogarse en un océano de plástico

Artículo publicado originalmente por VICE PT.

Cada año van a parar al mar ocho millones de toneladas de plástico. Devastación absoluta para los océanos y para la salud humana (aunque hay gente que asegura que algunas alternativas a las que recurrimos para sustituir las bolsas de plástico son aún peores para el medio ambiente). El plástico tarda mucho en descomponerse y, cuando finalmente lo hace, nunca llega a desaparecer: se fragmenta en mil trocitos que se quedan en el suelo y pasan a los alimentos y a los océanos, donde son ingeridos por los peces que luego nos comemos nosotros.

Parece que este problema finalmente ha ocupado un espacio en el orden del día, lo que provoca que vivamos mentalmente sobrecargados. Las noticias siempre son pésimas. Nunca mejoran. No hay un fin a la vista para la cuestión de las alteraciones climáticas y el Apocalipsis medio ambiental, por mucho que muchos se nieguen a aceptarlo, está cada vez más visible en el horizonte y no en el retrovisor.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Es difícil no sentirnos asfixiados, y mucho menos al contemplar las imágenes de CH2=CH2, una serie de retratos del fotógrafo Rúben Caeiro, natural del Algarve. Aquí la asfixia es literal. “CH2=CH2" es mi proyecto final de la experiencia Erasmus+ y se desarrolló durante los tres meses que viví en Berlín. Es, en esencia, una reflexión personal que se materializa en un enfoque fotográfico centrado en el tema ‘Plásticos y sus problemas de deterioro en el medioambiente’, como el aumento de la contaminación en los océanos y sus consecuencias para los seres vivos que habitan en ellos”, nos cuenta el fotógrafo de 23 años.

“¿Y si fuésemos nosotros?”. A esta pregunta, Caeiro responde con imágenes impactantes. “Con una exhalación en plástico durante 10 segundos, moriríamos por asfixia. Al mismo tiempo, millones de toneladas van a parar a los océanos, donde tardan más de 100 años en deteriorarse por completo. Esto hace que acabemos ingiriendo micropartículas de ese mismo plástico”, señala Rúben, que a los 17 años se trasladó a Lisboa para estudiar Arquitectura hasta que se dio cuenta, dos años después, de que su futuro pasaba inequívocamente por la fotografía.

El foco del proyecto, añade, es “usar el cuerpo humano como un elemento representativo de los seres marinos afectados y de sus dificultades ante el problema, a través de la fotografía conceptual y de una visión artística”. Y concluye: “La intención es alertar de la necesidad urgente de reflexionar y adoptar una postura. El título, CH2=CH2, se refiere al elemento químico del etileno, uno de los elementos principales del plástico. Un nombre corto y eficaz que saca partido de la base de la composición química, que es donde empieza ‘el mal’… Incluso su composición, por decirlo así, es algo tóxico”.

A continuación puedes ver más imágenes de CH2=CH2. El proyecto está expuesto en ETICAlgarve, en Faro, del 9 al 31 de mayo . Puedes seguir el trabajo de Rúben Caeiro en Instagram, Facebook y en su sitio web.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Foto cortesia Rúben Caeiro.

Sérgio Felizardo http://bit.ly/2wzmhLW

Fotos inéditas de la compleja amistad entre Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat

Artículo publicado originalmente por VICE Reino Unido.

La vida de un artista siempre me ha parecido envidiable: días solitarios en un estudio (siempre un espacio tipo loft, siempre con mucha luz, siempre usando un mono amplio y salpicado de pintura), creando algo que deseas crear y, en algunos casos, te pagan generosamente por ello.

Puede haber fama, pero probablemente no tanta como para que no puedas salir de casa sin que te sigan los paparazzi, y puede haber una gran fortuna. La escultura "Rabbit" de Jeff Koons se vendió recientemente por $ 91.1 millones de dólares, la cantidad más alta pagada por el trabajo de un artista vivo.

Por supuesto, ese estilo de vida tiene sus inconvenientes, como la presión agobiante para crear algo único, algo de importancia. Pero todo eso puede sonar bastante atractivo para alguien, como yo, que se sienta en una oficina y escribe durante ocho horas al día en una computadora.

Todo este preámbulo es solo para decir que: el próximo libro Warhol on Basquiat, una mirada íntima a la vida de dos iconos del arte moderno, consolida mi atracción por ese mundo.

Con cientos de fotos inéditas, fragmentos del libro The Andy Warhol Diaries [Los diarios de Andy Warhol], y obras colaborativas de los artistas, el libro es una crónica fascinante no solo de la compleja relación entre Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat, sino también del centro de la ciudad de Nueva York en los años ochenta. Muchas fotos parecieran ser íntimas y casuales: en una, Basquiat está detrás de Warhol, rodeando su cintura ligeramente con los brazos; en otra, Warhol ve como Basquiat levanta pesas. En muchos sentidos, es como un álbum de recortes que harías en la universidad, documentando tu vida y la de tus amigos, si tus amigos resultaran ser Keith Haring, Fab Five Freddy, Grace Jones y Madonna.

El libro es absorbente, vasto e inmensamente entretenido. A continuación te dejamos algunas de nuestras imágenes favoritas.

Basquiat en el salón de uñas Yanna’s, agosto 29, 1983. © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Warhol y Basquiat en el estudio de Warhol, agosto 15, 1983. © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Basquiat pintando Untitled en el estudio de Warhol en 860 de Broadway, abril 16, 1984. © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Keith Haring, Warhol, y Basquiat en el estudio de Warhol en el 860 de Broadway, abril 23, 1984. © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Basquiat en una habitación de hotel en Milán, octubre 8, 1983. © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Warhol y Basquiat pintando Problems en el estudio de Warhol en el 860 de Broadway, marzo 27, 1984. © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

Basquiat y Warhol afuera de la galería Mary Boone en West Broadway, mayo 3, 1984. © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

'Warhol on Basquiat' estará disponible a partir del 3 de junio en Taschen.

ELLIS JONES http://bit.ly/2Z0Zjcz

Esta artista crea imágenes con código que cambian según el navegador

Artículo publicado originalmente por VICE Estados Unidos.

Diana Smith crea imágenes web distintas a todo lo que has visto antes. Esto se debe a que cuando contemplas una de las creaciones de interfaz de usuario de la diseñadora, no estás viendo píxeles sacados de un servidor, sino un código en estado puro emitido al momento para el goce de tus ojos.

Hace unas semanas, Smith sacó a la luz "Pure CSS Francine", una laboriosa obra de dibujo en código al estilo de un cuadro de la década de 1800 que causó un enorme revuelo entre los desarrolladores web en Twitter. Para hacerla, Smith no usó una tablet, ni un ratón, ni siquiera un software de ilustración, sino que introdujo cada elemento a mano en código HTML y CSS, lenguajes informáticos que dicen a tu navegador cómo mostrar las páginas web. Esto significa que no hay ninguna “imagen” que puedas guardar como archivo cuando ves "Pure CSS Francine" en internet. Lo que sí puedes hacer es tomar una captura de pantalla o descargar el código y experimentar con él.

Esto es una captura de pantalla, por lo que siempre se verá igual en tu navegador

Esto convierte a "Pure CSS Francine" y las otras imágenes de Smith hechas en CSS ⎯como este increíble anuncio con una estética de mediados de siglo⎯ en piezas exclusivas de arte. Como se trata de un código que da instrucciones al navegador para que haga algo, el aspecto de la obra puede cambiar mucho según el navegador en donde la veas. Si la abres con Netscape Navigator, por ejemplo, Francine se transforma en una obra maestra del cubismo.

En una versión antigua de Opera… Bueno, no sé tanto de arte como para decir a qué se parece, pero el resultado es, sin duda, interesante.

"En su día, cuando se crearon esos navegadores, no tuvieron en cuenta que alguien crearía arte en CSS; internet era simplemente el lugar donde residía la información, y bastaba con tener unos cuantos rectángulos y tal vez algo de color", comentó Smith. "Cuando miras la imagen desde distintos navegadores, estás viendo la historia de internet y lo que se exigía de él en ese momento".

"Es como uno de esos anillos que muestran el estado de ánimo", señaló Smith en referencia a la naturaleza cambiante de Pure CSS Francine.

Las hojas de estilo en cascada (CSS por sus siglas en inglés) dan instrucciones a tu navegador sobre cómo mostrar una página web determinada, y resulta que si tienes el talento y la dedicación de Smith, puedes llegar a hacer cosas increíbles con este lenguaje. La creación de imágenes con CSS consiste en escribir código que muestra un objeto en un navegador y luego manipular su tamaño, sus bordes (para crear un círculo), el color, etc. Del mismo modo que con la ilustración vectorial se manipulan y unen formas para crear un diseño final, la creación de imágenes con CSS consiste en superponer y organizar esas formas. La gran diferencia es que con CSS no siempre puedes ver lo que estás haciendo a medida que lo creas, por lo que es un proceso de ensayo/error, dijo Smith.

"Primero tengo que escribir cada elemento y luego escribir una regla por cada uno de ellos. No es tan rápido ni fácil como cargarlo en el pincel", añadió Smith. "A veces eso me impide aplicar el nivel de detalle que me gustaría porque requiere más tiempo".

No hay pincel, ni cursor ni inputs sencillos. Solo un teclado. Es como el "modo superviviente" ultradifícil de un videojuego pero aplicado al arte digital. "Ni siquiera sé por qué soy así", dijo aludiendo a su afición por embarcarse en retos complicados.

Smith dijo que tarda unas dos semanas en crear una imagen con CSS, aunque asegura que su trabajo nunca se acaba, ya que el código puede retocarse hasta el infinito. Si bien es cierto que hay muchas imágenes hechas con CSS en internet, las de Smith destacan por su atención a la estética y su atractivo visual.

"Desde que empecé esto, me lo han preguntado muchas veces: ¿por qué? No hay ninguna razón aparte de por pasármela bien, porque sí y por amor al arte", me explicó Smith, y añadió que su única ventaja respecto a los demás es la de tener más tiempo libre.

Cuando quieres aprender código, mucha gente te dirá que te busques una API gratuita y crees un proyecto", continuó. "Tendría que ser lo mismo con CSS, porque en ese momento no estás trabajando para nadie, sino que simplemente estás experimentando con el código, pasándotelo bien y buscando nuevos desafíos. Y esto es una forma de hacerlo".

Jordan Pearson http://bit.ly/2XoP5Tc

'Super Mario Maker 2' te da más herramientas para crear caos

Artículo publicado originalmente por VICE Estados Unidos.

Pasé varias horas jugando Super Mario Maker en el Wii U, una consola fantástica pero condenada al fracaso. Tal vez no tanto como el rey de Mario Maker en VICE, Patrick, pero construí media decena de pistas, jugué todos los días por un tiempo e incluso hice una pequeña serie de Youtube para descubrir escenarios geniales y extraños. Escribo esto para decir que me voy a adentrar en la secuela del próximo mes con altas expectativas, y después de una presentación preliminar de 90 minutos la semana pasada, las cosas parecen ir por buen camino.

Nintendo mostró el modo de historia para un solo jugador, concedió treinta minutos para jugar con el modo de creación actualizado e invirtió el tiempo restante en el caos del modo cooperativo para cuatro jugadores. ¿Mi impresión general? Simplemente hay más de todo, y de esta manera, la progresión se siente similar al salto masivo de LittleBigPlanet a LittleBigPlanet 2. Al igual que LBP, el primer Super Mario Maker fue una brillante prueba de concepto, ya que ofrecía una caja de herramientas lo suficientemente accesible para construir un gran variedad de escenarios, muchos terribles, pero algunos brillantes. Mario Maker 2, al igual que LBP 2, tiene el mismo énfasis en una caja de herramientas expandida y un modo de un solo jugador con enormes mejorías.

En el modo historia, ayudas a reconstruir el castillo de Peach completando "trabajos": completar los escenarios te da monedas que usarás para, por ejemplo, volver a construir los cimientos. Es un poco extraño pensar en jugar un escenario individual de Mario como un trabajo —seguramente escribiré un artículo sobre eso, una vez que el juego salga al mercado— pero el personal encargado de asistirnos con el demo continuó exclamando que había más de 100 escenarios preconstruidos en el juego para mostrar las nuevas características geniales.

Naturalmente, el modo sirve de inspiración para los juguetes de creación expandida, ya que muestra las nuevas opciones. Varios de los escenarios que jugué presentaron ideas que estimulaban el deseo de crear. Ahora hay un interruptor de encendido / apagado que puede usarse en los acertijos, hay vehículos controlables y modos día/noche para las paletas disponibles (un cambio que también introduce nuevas mecánicas.)

Un nivel que probé tenía una marea de lava creciente y decreciente, y requería buenos reflejos y sincronización para evitar quemar a Mario. En otro estaba arriba de un flotador de Bowser en una especie de mecánica shoot-em-up, en el que tenía que abrirme paso a través de oleadas de enemigos en la pantalla. En otro, me dieron una especie de "depósito de armas" —un vehículo, una armadura y una flor de fuego— y luego me enfrenté a tres Bowsers apilados uno encima del otro, un pequeño guiño a la mecánica RPG en una presentación más simple. Y algunos escenarios revelaron pistas de la nueva mecánica de condiciones: para superar algunos escenarios, tienes que recolectar 100 monedas o matar dos koopas o nunca usar el botón de salto.

Todo esto es apenas un pequeña muestra de cuán lejos puedes llevar cualquiera de estos elementos en tus propias creaciones. Ahí radica la mejor parte de Mario Maker, para alguien como yo: la interacción entre la inspiración y la experimentación. A veces vuelvo a jugar un nivel que disfruté o donde encontré algo nuevo con lo que experimentar para luego intentar recrearlo o modificarlo en mis propios escenarios. Casi nunca publiqué escenarios en el último juego, pero espero hacerlo más cuando llegue la secuela. Ese momento de "¡oh, sorpresa!" cuando te das cuenta de que es posible implementar una nueva mecánica —y empiezas a pensar en cómo usarla— es algo genial. Es lo divertido sobre el diseño de juegos y Mario Maker siempre ha aprovechado eso.

El tercer pilar principal —además del modo historia y la caja de herramientas ampliada— es el nuevo modo multijugador. La tercera sección del demo se centró en jugar varios escenarios de muestra con otros tres participantes, estilo New Super Mario Bros., con los cuatro tratando de completar una pista de manera cooperativa... lo que significa que tuvimos que trabajar juntos, pero también nos trolleamos entre nosotros durante los procesos. Incluso con extraños, fue extremadamente divertido.

En un nivel usamos los poderes de Mario Felino de Super Mario 3D World para escalar vallas y recolectar 100 monedas, mientras un malvado pez intentaba comernos. En el caos del nivel, terminamos cruzando la línea de meta prematuramente (con solo 70 monedas más o menos), ¡y las perdimos todas! Tuvimos que volver a la sala de pesca y volver a recolectarlas. Fue así que pudimos observar algunas de las nuevas condiciones de victoria, así como las características del modo de cuatro jugadores. Todo salió sin contratiempos.

Realmente, mi única preocupación es que, para disfrutar todas las características, tienes que pagar por el servicio en línea de Nintendo. Esto aplica si quieres compartir tus propios diseños, descargar escenarios de otros jugadores o entrar al modo multijugador. Para alentar a los jugadores a suscribirse a Nintendo Online, la compañía ofrecerá un paquete del juego más 12 meses de servicio por cerca de 70 dólares. (El juego solo cuesta 59.99 dólares). No es que no crea que es un precio decente, pero es bastante claro que, sin el componente en línea, no podrás disfrutar de Mario Maker 2 al máximo.

Dejando a un lado esta advertencia, estoy muy emocionada de profundizar en el nuevo juego y todas las cosas extrañas y maravillosas que la gente hará con él. Las personas todavía están haciendo escenarios increíbles con la caja de herramientas del juego original, así que solo puedo esperar cosas más grandes y salvajes con una paleta expandida cuando salga el juego el 28 de junio.

Danielle Riendeau http://bit.ly/2WEdKGa

Bienvenidos al pueblo indonesio que fabrica armas

Artículo publicado originalmente por VICE Indonesia.

Un cartel rojo y amarillo cuelga del costado de una casa en Cipacing, un pequeño pueblo en Java Occidental, que dice: "DETENGA LA PRODUCCIÓN DE ARMAS ILEGALES". Podría parecer una petición extraña, hasta que uno descubre que Cipacing es un foco nacional de fabricación de rifles de aire.

En general, las armas no son comunes en Indonesia; cualquier persona que quiera conseguir un rifle o pistola debe primero convertirse en miembro de la Asociación de Tiradores de Indonesia. Sin embargo, las regulaciones son mucho más laxas para los cazadores y atletas, o para cualquiera que prefiera disparar balas con resorte y no con pólvora. Desde el siglo pasado, Cipacing ha prestado servicio a estos clientes.

Uno de esos residentes es Dedi, de 55 años, cuya familia ha estado fabricando rifles de aire durante tres generaciones. Según él, Cipacing siempre había sido conocido por sus herreros, pero en la década de 1890 el gobierno colonial inició una diversificación en la fabricación de armas al reclutar residentes para reparar rifles holandeses, específicamente Steyr y SigSauers.

Poco a poco, los artesanos locales pasaron de reparar armas a construir las suyas. Se hicieron conocidos por producir un estilo de arma conocido como dorlok: un rifle de aire de cañón largo diseñado para cargar balas individuales a la vez. En los años posteriores a la independencia de Indonesia en 1945, Cipacing se convirtió en el lugar indicado para cualquiera que quisiera comprar un arma a bajo costo, sin la molestia de acatar las regulaciones.

Durante el período del Nuevo Orden que se extendió desde la década de 1960 a la década de 1990, los oficiales militares y los políticos adquirían regularmente rifles de aire de Cipacing. El comandante de las Fuerzas Armadas Nacionales de Indonesia, Edi Sudrajat, el exministro de Industria Fahmi Idris, y los excomandantes generales del Comando de las Fuerzas Especiales, Danjen Kopassus y Prabowo Subianto, fueron algunos de los clientes más leales del poblado. Solo en un año, Subianto ordenó 500 rifles de aire para el entrenamiento con armas de fuego.

En el caso de Dedi, su familia se especializó en cañones equipados con un surco en espiral que hacía girar proyectiles a medida que eran expulsados. Cuando se graduó de la escuela vocacional en la década de 1970, el padre de Dedi le pidió que se uniera al negocio familiar.

"En ese momento, los residentes de Cipacing incluso tenían el eslogan 'artos milari bedil' o 'las armas hacen dinero'", explica Dedi. "Esto se debió a la gran cantidad de compras de armas desde todas partes de Indonesia".

Sus productos más vendidos en aquel entonces eran rifles de aire con resorte, que es un arma que ahora se asocia con Cipacing. Solían venderlos a granel por cerca de 20 dólares hasta que el poblado comenzó a aceptar órdenes de compra de grupos terroristas, un error del cual apenas se está reponiendo.

Como explicó un fabricante de armas de Sumedang llamado Usep*, "empezamos a recibir muchas órdenes de grupos terroristas alrededor del 2002".

Posteriormente, la policía hizo operativos en las fábricas de la ciudad en 2013, 2016 y 2017. La operación de 2013 provocó el arresto del líder de la comunidad manufacturera, que resultó ser un intermediario para la red de Abu Roban, una célula terrorista afiliada a ISIS que lanzó un ataque contra una estación de policía en Pamulang en 2013.

En aquel entonces, Usep no discriminaba a los compradores. Vendía armas a los ciudadanos y terroristas por igual, hasta que un juez lo declaró culpable de apoyar a una organización terrorista y lo condenó a tres años de prisión.

Usep no quiere volver a cometer el mismo error y dice que ahora solo acepta pedidos de personas que compran rifles de aire para hacer deporte.

También parece ser el sentimiento de la mayoría de los habitantes de Cipacing. Los fabricantes de armas que antes vendían sus productos a cualquier persona dicen que ahora llevan a cabo un proceso de filtración más exhaustivo, y el poblado está perdiendo su reputación como un sitio comercial libre de ética. Como Usep resumió con simpleza: "Me arrepiento de haber hecho armas ilegales, así que ahora haré algo legal".

* El nombre ha sido cambiado a petición del entrevistado.

Iqbal Kusumadirezza http://bit.ly/2XiRaQz

Fotos de estudiantes de arte a finales de los 90

Artículo publicado originalmente por VICE Reino Unido.

Matthew Finn tenía 24 años cuando empezó a dar clases de fotografía en una escuela de arte de las afueras de Londres. Era finales de los 90: Tony Blair acababa de asumir la presidencia del Reino Unido al frente del Nuevo laborismo, las bandas de Britpop ocupaban las listas de popularidad y la gente joven se sentía verdaderamente orgullosa de su país.

Para Finn, aquella también fue una época de experimentación durante la cual siguió intentando averiguar su identidad y la clase de fotógrafo que quería ser, al igual que los alumnos a los que daba clases. Por eso no resulta sorprendente que acabara apuntando el objetivo hacia ellos, precisamente. El resultado es una extensa serie de retratos en blanco y negro de gran belleza que Finn hizo entre 1995 y 2003, antes de trasladarse a otro centro (donde continuó fotografiando hasta 2015).

Con motivo de la publicación de su libro, School of Art, que presenta una selección de retratos realizados en 1997, me reuní con Finn para hablar sobre su proceso creativo y sobre cómo eran las escuelas de arte en los 90.

VICE: ¿Qué puedes contarme de tu nuevo libro?
Matthew Finn: School of Art es una colección de fotos tomadas en 1997 en una escuela de arte de Inglaterra. Aquel fue un año decisivo para la cultura artística y política británica. Empezaba una nueva era laborista liderada por Tony Blair, lo cual era ideal para un artista de izquierdas. Hubo una gran explosión de jóvenes artistas británicos por los que los estudiantes no dudaron en mostrar su admiración y comprensión. La música británica experimentó un auge tremendo. En este libro intento retratar ese periodo de la historia.

© Matthew Finn. Del libro ‘School of Art’, publicado por STANLEY/BARKER

Entonces, ¿la serie cubre un periodo de muchos años, pese a que el libro represente solo una pequeña parte?
Sí, todos mis proyectos están basados en su duración. El libro que hice antes era un proyecto que duró 31 años. Pero para este, me pareció que el año 1997 lo englobaba todo y permitía tomar la imagen de un estudiante de una escuela de arte cualquiera y situarla en un momento cultural de especial relevancia.

Hablas de “escuela de arte cualquiera”. ¿Por qué esa vaguedad respecto a este detalle en concreto?
En parte porque quería que fuera más universal. Lo que estoy intentando no hacer es un folleto corporativo de una escuela de arte. Esto no es Central Saint Martins ni el Royal College. Era una escuela victoriana, como tantas otras, con los techos altos, suelos de parqué… Y lo que allí se enseñaba también era universal.

© Matthew Finn. Del libro 'School of Art', publicado por STANLEY/BARKER.

© Matthew Finn. Del libro 'School of Art', publicado por STANLEY/BARKER.

En aquel entonces tenías 24 años y supongo que enseñabas fotografía a esos alumnos, ¿no?
Sí, les presentaba ideas, conceptos y técnicas. Nos pasábamos el tiempo en el cuarto oscuro y en los estudios. Yo también aprendía; no era mucho mayor que mis alumnos y acababa de salir de la universidad, como quien dice. Estaba en proceso de descubrirme, de saber qué clase de fotógrafo quería ser, y en muchos aspectos era igual que mis alumnos, así que todos nos apoyábamos mutuamente y aprendíamos juntos.

¿Cómo se te ocurrió la idea para esta serie?
Nunca planifico mis proyectos; no viajo por todo el mundo en busca de sujetos a los que fotografiar. Tampoco pretendo enviar ningún mensaje político a través de este medio. Siempre he querido ser un fotógrafo urbano, pero nadie me pagaba por hacerlo y necesitaba trabajo, así que pensé, Estoy en esta escuela cinco días a la semana, ¿qué más puedo hacer aparte de dar clases? Acabé fotografiándolos porque estaban ahí, físicamente. Si hubiera estado montando coches en una fábrica, habría fotografiado gente y coches. Fue porque estaban ahí. A mí me interesa la gente, y en esa época nadie ponía el grito en el cielo porque hicieras fotos a unos adolescentes.

© Matthew Finn. Del libro 'School of Art', publicado por STANLEY/BARKER.

© Matthew Finn. Del libro 'School of Art', publicado por STANLEY/BARKER.

¿Cómo era el proceso de creación?
Ves a un alumno y en ese momento la luz que hay te parece estupenda o te encanta la ropa que lleva, así que le preguntas si le importaría que le hicieras una foto. Era un entorno muy reducido, quizá había unos 300 alumnos. Tenías que conocerlos a todos muy bien. Al final se acostumbraron. Muchos de ellos estuvieron en el estreno de mi libro. Fue muy curioso verlos recordar qué aspecto tenían hace 20 años.

Dijiste que a veces te llamaba la atención cómo vestían tus alumnos. Parece que hoy día mucha gente viste exactamente de la misma manera. ¿Te interesan los ciclos en la cultura juvenil?
Sí, todo vuelve: la música que escuchamos, cómo la reproducimos, la ropa que llevamos, ciertas marcas y logos… Y dentro de seis meses será otra cosa. Esos chavales estaban buscando su identidad, y en las escuelas de arte, desde luego, una forma de hacerlo es a través de la ropa, ya que te identifica como parte de un grupo. Si, por ejemplo, te gusta el heavy metal, irás un poco uniformado.

© Matthew Finn. Del libro 'School of Art', publicado por STANLEY/BARKER.

© Matthew Finn. Del libro 'School of Art', publicado por STANLEY/BARKER.

Antes comentabas que la llegada del Nuevo laborismo a finales de los 90 resultó muy atractiva para los artistas, que revivió una esperanza que no se había sentido durante toda una generación. ¿Se refleja eso en tu relación con los alumnos? ¿Hablaban de política?
Hablábamos mucho de política. En aquella época Nan Goldin estaba empezando a hacerse un nombre, por lo que había mucho debate sobre política sexual. Los alumnos se implicaban en política y eso se notaba en gran parte del trabajo que hacían. Esto era antes de que la gente expresara sus miedos y sentimientos por Instagram o Facebook: lo hacían a través de su obra.

Sus obras podían llegar a ser muy personales. Si tenían problemas en casa, quedaba reflejado en lo que hacían. Pasábamos mucho tiempo en la Saatchi Gallery cuando estaba en St John’s Wood. Veíamos a Tracey Emin borracha por la tele, a las tantas. Eran referentes increíbles y todo estaba politizado. Nos encantaba debatir porque la única forma que teníamos de comunicarnos era hablando. No había mensajes de texto ni ordenadores.

© Matthew Finn. Del libro 'School of Art', publicado por STANLEY/BARKER.

Es fácil olvidar que hubo una época en la que no existían los mensajes de texto, en que había que hablar.
Muchos de esos estudiantes estaban furiosos. Tenían problemas de salud mental no diagnosticados ni reconocidos. Antes bebíamos mucho, fumábamos y nos drogábamos, y las escuelas de arte eran un entorno lo suficientemente liberal como para que a nadie le importara; todo el mundo se sentía seguro, en cierta medida. La cuestión era producir, y la obra resultante era increíblemente expresiva: penes gigantescos de papel maché llenos de agujas hipodérmicas clavadas. En un folio A4 explicábamos de qué iba la obra, pero el director no lo aprobó y los alumnos se enfadaron. Fuimos a un periódico local. Esos chavales no estaban dispuestos a aceptar lo que ninguna autoridad tuviera que decirles. Te decían: “Pues yo soy así. Es como quiero ser. A la mierda”. Era una época, también, en la que teníamos a Tracey Emin y Sarah Lucas, mujeres fuertes que eran visibles por primera vez, activas, sexuales y grandes artistas.

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¿Cómo fue tu experiencia en la universidad en comparación con la de tus alumnos?
¡Fue un caos! No había una enseñanza formal… Básicamente hacías lo que querías. Te emborrachabas con tus profesores. Éramos una comunidad muy unida. No había papeleos. Mi experiencia fuera de la universidad fue muy liberadora. A mí, personalmente, no me gustaban demasiado las limitaciones de la universidad, y creo que muchos otros estudiantes de arte pensaban lo mismo. Luego de repente se veían libres y con la posibilidad de tomar sus propias decisiones. Podían liarla. Tenían tiempo de fracasar y no pasaba nada. Ahora no: todo el mundo está obsesionado con las calificaciones. Pagan mucho dinero por estudiar y eso hace que se crean con derechos. Eso no pasaba antes; los estudiantes se limitaban a crear y a averiguar cosas por sí mismos.

ELLIS JONES http://bit.ly/2Kk2CHR